KAIROS MUSIC Shop/Neu im Shop

PIERRE JODLOWSKI Drones 16,00 �

Sophie Cherrier flute
IRCAM
Ensemble intercontemporain / Susanna Mälkki

Includes booklet with text by Martin Kaltenecker
0013032KAI - 2011

tracklisting:

(01) Drones 16:21
for ensemble of 15 instruments
(02) Barbarismes 24:41
for ensemble and electronics
(03) Dialog/No Dialog 14:45
for flute and electronics

TT: 55:49

So ist der ganze erste Teil von Drones eine Verflechtung von wiederholten Elementen, die ein übergreifendes Ostinato ergeben; auch das Ende beruht auf Repetitionen, etwa eines 5/8-Motivs im Klavier; Die Strukturen entstehen aus einer Pulsierung, die dem Jazz entlehnt ist: „Aus den Energien entstehen Rhythmen“, und nicht umgekehrt. Nichts kommt hier vor, was nur einmal auftauchte, nichts, das zerstört oder dekonstruiert würde, keine Elemente, die interagieren oder sich gegenseitig verschlingen – man kann sie nur abstoppen. Die Ästhetik der Geste steht im Dienste einer Musik, die sich von Dialektik und von der deutschen Tradition der Durchführung befreit.

Der gesamte zweite Teil von Dialog/no dialog, eine Folge von Anfängen, Seufzern, Schlägen, absinkenden Gesten könnte als eine Durchführung gehört werden, die andauernd in Schach gehalten wird.

In einem tieferen Sinne noch ist Jodlowskis Musik „gemischt“: Die Klänge sind bei ihm keine abstrakten Elemente (oder nicht ausschließlich), sondern wie Bilder, die das hermeneutische Vermögen des Hörers ansprechen. Im ersten Teil von Barbarismes lässt eine Landschaft aus konkreten Geräuschen einen imaginären Film anlaufen, eine Welt, aus der auch die Echos herkommen, die an Special effects erinnern oder die typischen Quartakkorde aus Hollywood. Im zweiten Teil hört man Donnerschläge aus der Ferne, Regen fällt, Hunde bellen, der Topos des beruhigenden Unisonos wird abgerufen, später Tritte von Soldaten gequälte und zerrissene Figuren in Flöte und Bratsche, eine Melodie im Englischhorn, und all die Kalenderbilder der Unordnung. Der dritte Teil zitiert Wassergeräusche, Kinder und friedliche Glocken, die Triller und nervösen Figuren eines verblassten Avantgardismus werden durch den Kriegsfilm wieder neu semantisch aufgeladen, bis hin zum harmonischen Frieden, den gesättigten Echotönen eines Klaviers, das in ein Cymbalon verwandelt wird und wiederum das Unisono.

S�DEN Gast�n Solnicki on Mauricio Kagel 16,00 �

süden - Gastón Solnicki on Mauricio Kagel

0013172KAI - 2011

Mauricio Kagel music
Gastón Solnicki direction and production

Andrea Kleinman editing
Jason Candler sound design
Diego Poleri, Gastón Solnicki camera
Lorenzo Bombicci editing advisor
Walter Rippel line producer

Music played by:
Ensamble Süden
Compañía Oblicua
Divertimento Ensemble
and invited musicians

TT: 67:00

Der junge argentinische Filmemacher Gastón Solnicki hat mit seinem ersten langen Film SÜDEN eine Doku über den Maestro hingelegt, die auf wunderbare Art einfängt, was Kagel als Vollblutmusiker und als Menschen ausmachte. Solnicki hat Mauricio Kagel bei einem Besuch in seiner alten Heimat Argentinien begleitet. Jahrzehntelang war er nicht mehr da. Mit jungen argentinischen Musikern, die sich seiner Musik verschrieben haben, tritt er nun, seine Werke vortragend, auf. Der Film zeigt en passant, wie Perfektion auch daher kommen kann. Liebe zum Detail. Die Suche nach dem Klang, der passt. Und jede Menge Humor. Perfektion ja, aber toternst beim Vortragen sein: Nein. Ironie und Selbstironie der Werke Kagels ergeben sich beim bloßen Dranbleiben. Akustisch wie visuell. Der Charme des Dirigenten seiner eigenen Werke ergibt sich aus dem zögernden Nicht-immer-einverstanden-sein und der kindlichen Freude, wenn der richtige Ausdruck gefunden wurde. Ob nun in einer flüchtigen Aktion mit 111 Radfahrern in EINE BRISE. Oder in Vokalwerken, die von den Sängern interpretatorisch einen brecht’schen Gestus abverlangen. Oder in Orchesterwerken, die den Sinn und Unsinn bestimmter Musikstücke hinterfragen. Was ist zum Beispiel ein Marsch? Gastón Solnicki hat mit SÜDEN eine sehr persönliche Homage an Mauricio Kagel entworfen, die einen Einblick in das Schaffen des Allroundtalentes gibt, die auch Neueinsteigern im Bereich Neue Musik ans Herz gelegt werden kann. Humor sprengt nämlich so manche Grenzen. (Meike Gastner)

FREIDRICH CERHA Schlagzeugkonzert . Impulse 16,00 �

Martin Grubinger percussion
Wiener Philharmoniker
Peter Eötvös conductor
Pierre Boulez conductor

Includes booklet with text by Friedrich Cerha
0013242KAI - 2012

tracklisting:

(01) Konzert für Schlagzeug und Orchester (2007/2008) 31:25
(02) Impulse für Orchester (1992/1993) 21:50

TT: 53:17

Im vergangenen Jahr feierte Friedrich Cerha seinen 85. Geburtstag und KAIROS konnte ihm als kleines Geschenk die Veröffentlichung von 2 CDs mit auf seinen Weg geben: Und Du… / Verzeichnis / Für K (0013182KAI) und Bruchstück, geträumt / Neun Bagatellen / Instants (0013152KAI). Ein Jahr danach ist unsere Begeisterung für seine Musik nur noch größer geworden und wir freuen uns eine neue Aufnahme mit seinen Werken veröffentlichen zu können. Auf der neuen CD wird das „Konzert für Schlagzeug und Orchester“ sowie „Impulse für Orchester“ zu hören sein. Beide Aufnahmen sind atemberaubend schön und detailverliebt von den Wiener Philharmonikern musiziert. Solist des Schlagzeukonzerts ist das international erfolgreich reüssierende Multipercussion-Talent Martin Grubinger. Geleitet wurde das Konzert von Peter Eötvös. „Impulse“, ein Auftragswerk der Wiener Philharmoniker, wird von Pierre Boulez geleitet.
Beide Werke sind in Klang und Struktur vielfältig und reich an Gegensätzen und emotionalem Ausdruck. Jedem der drei Sätze des Schlagzeugkonzerts ist ein eigenes Instrumentarium zugeordnet, wobei der Solist jeweils die Position im Schlagzeugaufbau wechselt. Der erste Satz wie auch der Schluss des Stücks sind von eruptiven Klangblöcken geprägt; die Trommeln dominieren. Im Orchester sind drei Schichten von kurzen Tönen in rhythmisch komplexer Organisation übereinander gelagert. Der Solist sowie eine einstimmige Linie von Hörnern und Tuba halten eine kontinuierlich fließende Bewegung am Laufen. Insgesamt entsteht ein bohrender, insistierender Klangcharakter. Im eher lyrischen zweiten Satz dominieren die Instrumente mit Nachklang. Sie schaffen den Eindruck eines in sich ruhenden Klangteppichs. Friedrich Cerha selbst zu diesem Satz: „Angeregt wurde ich ursprünglich durch die Beobachtung der langsamen Bewegungen von Himmelskörpern und von Vorgängen des einander Einholens und Überholens, die in vielen Lebensbereichen eine Rolle spielen.“
Der dritte Satz schließt an den ersten an. Er hat Scherzando-Charakter. Im rasenden Tempo der Bewegungen herrschen die hohen, hellen Klänge von Xylophon, Holzblöcken und Log-Drums vor.
In Impulse finden sich Gebilde heftiger, leidenschaftlicher Natur. Sie wechseln mit solchen von stillem, versonnenen, elegischen Ausdruck. Manchmal sind sie einander schroff unvermittelt gegenübergestellt. Daneben gibt es – zu meist dynamisch betonte – Gesten, die einen Prozess initiieren, der kontinuierlich zu neuen, veränderten Situationen führt.

GEORGES APERGHIS Teeter-totter 16,00 �

Donatienne Michel-Dansac soprano
Uli Fusseneggerdouble bass solo
Klangforum Wien
Emilio Pomáric conductor
Sylvain Cambreling conductor

Includes booklet with text by Patrick Hahn
0013222KAI - 2012

tracklisting:

(01) Contretemps for soprano and ensemble (2005/2006) 21:08
(02) SEESAW for ensemble (2008) 11:29
(03) Parlando for double bass solo (2007) 17:05
(04) Teeter-totter for ensemble (2008) 13:55

TT: 63:37

Unter Musikliebhabern in Frankreich und der ganzen Welt ist Georges Aperghis vor allem als Mann des Musiktheaters bekannt. Seine „reine Instrumentalmusik“, ohne szenische Ingredienzien, tritt gegenüber den oft spektakulären Theaterarbeiten in der öffentlichen Wahrnehmung zurück, obwohl der in Paris lebende Komponist dieses Genre nicht vernachlässigte. Beständig hat er auch ariose Szenen für Stimme und Ensemble oder kammermusikalische Werke geschrieben. In den vergangenen Jahren ist dieser Zweig seines Schaffens erneut in den Blickpunkt getreten und diese CD vereint drei gewichtige Ensemble-Werke aus den vergangenen zehn Jahren. Ein hochvirtuoses Solostück für Kontrabass kreist um ein Motiv, von dem das Schaffen Aperghis’ schlechthin geprägt ist: von sprechender Musik.
In Contremtemps für Sopran und Ensemble sind Selbstgespräche von der Solistin zu vernehmen, von denen man nur ahnen kann, wovon sie handeln. Georges Aperghis komponiert nicht nur Musik als Sprache, er komponiert auch Sprache als Musik. Ausgehend von Worten oder Sätzen fragmentiert er diese. „Es sind Variationen über Themen, die ich nach und nach zerstöre, bis man sie nicht mehr wieder erkennt.“ Der reine Laut tritt an den Hörer heran und öffnet die Pforten zum Unbewussten der Sprache.
Zwischen dem Wippen, dem Hin-und-Her der Ensemblestücke SEESAW und Teeter-Totter, so kann man es deuten, liegt eine „Verschlimmerung“. Auffällig an SEESAW ist die Ensemblezusammensetzung in Paaren, die „Spiegelspiele“ innerhalb einer Klangfarbe, innerhalb einer Stimme erlauben. Wie ein Tinnitus reiben die hohen Töne der Violinen aneinander, die beiden Klaviere meißeln auf einem Ton herum, die übrigen Streicher murmeln Unverständliches vor sich hin, als hätten sie eine Socke im Mund, die Bläser sind ausfallend wie je.
Im Solo Stück Parlando sieht man verdeutlicht wie sehr Georges Aperghis die Extreme jedes einzelnen Instruments auszukosten vermag und mit den spezifischen Möglichkeiten seine Art des musikalischen Erzählens entwickelt: Einen Diskurs voll Wiederholungen, von Neuanfängen und Unterbrechungen, der auf der Stelle tritt – oder im minimal-intervallischen Abstand um eine „Stelle“ herumläuft – eine Sprache der polternden Unsicherheit, der nervösen Interaktion oder des Flehens. (Bis hin zum Winseln.)
(Patrick Hahn)

FRIEDRICH CERHA Und du... 16,00 �

FRIEDRICH CERHA - Und du... Verzeichnis Für K

ORF Radio-Symphonieorchester Wien
Ensemble "die reihe"
Friedrich Cerha conductor

ORF Chor
Erwin Ortner conductor

Includes booklet with texts by Friedrich Cerha
0013182KAI - 2011

tracklisting:

(01) Und du... for orchestra, ensemble and speakers 39:13
(02) Verzeichnis 9:23
(03) Für K for ensemble 17:00

TT: 66:47

Mit der dritten CD der Friedrich Cerha Reihe wird ein zeitlicher Bogen von 30 Jahren - von den 60er bis zu den 90ern - gespannt. Dem Ensemblestück Für K (1993) wird mit Und du... (1963) ein großformatiges Stück für Sprecher, Orchester und Elektronik sowie mit Verzeichnis (1969) ein Vokalwerk vorangestellt.

Und du... ist Cerhas musikalisierte Auseiandersetzung mit nuklearen Bedrohung der 60er, mit Hiroshima. "Die Musik, die Orchester, kammermusikalische Besetzungen, elektronische Mittel, Sprechstimmen, Singstimmen und an technischen Möglichkeiten Mischung, Filterung, Montage und Ringmodulation benützt, stammt in wesentlichen Teilen aus jener, von traditionellen melodischen und rhythmischen Formulierungen freien Klangwelt, die ich mir 1959/60 geschaffen hatte. In Und du… traten im Dienst der Aussage vokale Elemente und eine bis zu Jazzanklängen reichende Palette von Sprachmöglichkeiten hinzu. Die Worte ertrinken, – ersticken schließlich in der Musik. – Der Tatsache entsprechend, dass letztlich keine Form von „künstlerischer Gestaltung” den Dimensionen des Problems, – der mit ihm verbundenen Gefahr und dem mit ihm verbundenen Grauen angemessen sein kann, tritt am Ende ein von ihm selbst gesprochener, kritischer Text von Günther Anders an ihre Stelle;" (Friedrich Cerha)
Verzeichnis ist ein Vokalwerk basierend auf dem "Verzeichnis der Hexen-Leut, so zu Würzburg mit dem Schwert gerichtet und hernacher verbrannt Worden", online bei wikipedia nachzulesen: Verzeichnis_der_Hexen-Leut. Musikalisch ist der Text so behandelt, dass er nur fragmentarisch voll verständlich wird. Trockendeklamierendes Sprechen, Legato-Polyphonie in motettischer Technik, mechanisiert wirkende Staccato-Folgen, Sprechgesang, absinkende Glissandi auf einzelnen Worten und glissandierende Vokalisen sind die bewusst heterogenen Stilmittel in der Komposition. Die leiernde Wiederholung bestimmter Passagen entspricht dem Gleichmaß des referierten Grauens ebenso wie die Vielfalt der Mittel, aus dem es immer wieder hervorkommt, auf seine ungebrochene Allgegenwart hinweist.
Für K Das Stück ist zum 70. Geburtstag des Bildhauers Karl Prantl geschrieben worden. Die Anlage des Stücks ist zweisätzig. Im sehr viel kürzeren zweiten Satz gibt es kein neues Geschehen; die Vorgänge werden nur in eine andere Richtung gewendet, wodurch nochmals ein neues „Gesicht“ entsteht. Das Stück spannt musik-sprachlich mehrfach den Bogen zu seinen in den 60ern entstandenen Werken.

MATTHIAS PINTSCHER sonic eclipse 16,00 �

Marisol Montalvo soprano
Garethn Flowers trumpet
David Byrd-Marrow horn
International Contemporary Ensemble (ICE) / Matthias Pintscher
SWR Vokalensemble Stuttgart / Marcus Creed

Includes booklet with text by Marie Luise Maintz
00135162KAI - 2011

tracklisting:

(1-3) sonic eclipse (2009-2010) 34:38
for solo trumpet, solo horn and ensemble
(4) a twilight's song (1997) 9:14
for soprano and seven instruments
(5) seh-cholat ahavah ani (shir ha-shirim V) (2008) 17:25
for mixed chorus a cappella

61:10

In dem dreiteiligen Ensemblezyklus sonic eclipse wird das Verdecken zum Thema des kompositorischen Prozesses. Im ersten Teil agiert die Trompete, im zweiten Teil das Horn als Soloinstrument. Beide werden im dritten Teil miteinander verschränkt und finden mit dem Ensemble zu vollständiger Verschmelzung. Als Bild für diesen Vorgang fand Pintscher das Phänomen der Eklipse, also des Übereinanderschiebens von Himmelskörpern und der gegenseitigen Verdunkelung im Moment der vollständigen Abdeckung.

Von Dämmerung zu Dämmerung, Morgen zu Abend, spannt sich der Bogen in a twilight’s song und dem zugrundeliegenden Gedicht von Cummings. Pintscher komponiert das „Dazwischen“, ein Eindringen in Tonfall und Struktur der Dichtung, er zeichnet die Bildsprache des Poems nach. Ein im deutlichen Abstand zueinander platziertes Instrumentarium lässt aus einem fast unhörbaren Wispern des Beginns einen Klangraum aus heterogenen Ereignissen erstehen – Geräuschhaftes, Schwebendes, Pulsierendes, Plosives, Atmen. In dessen Mitte die Bassflöte den Raum für die Sopranstimme vorbereitet.

Aus dem shir ha shirim, dem biblischen Lied der Lieder, hat Pintscher den fünften Gesang, she-cholat ahavah ani für eine A-Cappella-Chor vertont. Nicht nur inhaltlich, sondern auch strukturell eröffnet der berühmte hebräische Text besondere Perspektiven. „Im Hebräischen sind Worte wie Inseln, Energieträger, da alles aus kurzen Wortstämmen abgeleitet wird." Pintscher nutzt diese Strukturen. Jenes Kreisen, Wiederholen und Fortspinnen von Bildern von der abgrundtiefen Verzweiflung bis zur ekstatischen Verzückung verwandelt Pintscher in einen ausschließlich gesungenen Vokalsatz - in ein klingendes Kontinuum.
(Marie Luise Maintz)